Cecilia Vicuña, la artista de Chile en el Guggenheim

Cecilia Vicuña, la artista de Chile en el Guggenheim. Spin Spin Triangulene en el Guggenheim presenta la vitalidad de la artista de Chile, Cecilia Vicuña, que sorprende con una obra llena de ternura y brío.

Cecilia Vicuña artista Guggenheim

Por Louis Bury

Durante casi dos generaciones, la práctica creativa múltiple de Cecilia Vicuña ha sido querida en los círculos de la poesía y las artes, pero ha permanecido fuera del radar de las audiencias casuales y un poco fuera del conocimiento del mercado del arte

En los últimos años, esa situación ha cambiado, gracias a la presencia regular de la artista de Chile en el circuito de bienales y a la obtención de importantes reconocimientos, incluido el prestigioso Premio Velázquez de Artes Plásticas de España, en 2019, y el León de Oro de la Bienal de Venecia de este año por la Trayectoria.

Inmediatamente después de estos honores, Spin Spin Triangulene en el Guggenheim, comisariada por Pablo León de la Barra y Geaninne Gutiérrez-Guimarães, presentará a muchos espectadores una obra llena de ternura y brío. La exposición transmite la vulnerabilidad carismática de la práctica de Vicuña, si no un sentido completo de su extraordinario rango.

El título de la exposición alude a la notoria forma espiral del museo, así como, un poco más vagamente, al interés de Vicuña por las afinidades entre el conocimiento científico y el indígena (aquí, la molécula de trianguleno y los quipus incas).

Instalación

La obra visual más conocida de Vicuña abarca dos series de larga duración: Precarios y Quipus. Los primeros, los primeros de los cuales datan de la década de 1960, son ensamblajes diminutos y de repuesto de detritos naturales y artificiales (fragmentos de madera flotante y piedra, marañas de cuerdas y alambres, restos de ramitas y textiles) cuyas formas tenues indican comodidad con su propia fragilidad.

Muchos precarios individuales se han conservado como objetos de bellas artes, mientras que otros se han incorporado a representaciones y luego se han dejado a la intemperie, de forma similar a cómo contemporáneos como Andy Goldsworthy y Ana Mendieta hicieron obras de arte efímeras en la naturaleza.

Cada “precario” individual parece un objeto colgado de un móvil; cuando se agrupan en galerías, generalmente en todo tipo de alturas y ubicaciones, los tótems desaliñados se fusionan en constelaciones irresistibles.

Sus quipus también hacen un uso poético del espacio expositivo. Las obras son reimaginaciones creativas de dispositivos de protoescritura de la antigüedad andina, en los que se ataban nudos en una serie de cuerdas en forma de collar para registrar información sobre cosas como obligaciones fiscales, cifras del censo y fechas del calendario.

Los quipus artísticos de Vicuña desde la década de 1960 hasta la década de 2000, a menudo hechos de hilos o hilos, tienen la misma calidad esbelta que sus precarios. Pero en la última década, sus materiales se han vuelto más voluminosos, su escala más monumental: cintas de lana gruesa anudada del suelo al techo cuyas formas colgantes y agrupadas tienen una calidad visceral. Estos quipus recientes, que se han exhibido internacionalmente se han convertido en una especie de estilo característico.La instalación tiene la misma orientación vertical de sus quipus recientes, pero sus componentes parecen más desgastados y menos uniformes, casi arqueológicos. Aunque la didáctica del museo describe “Exterminio Quipu” como “un llamado a la acción” frente a las pérdidas culturales y ecológicas, la obra de arte opera en un registro nostálgico.

Los cuadros de Vicuña suenan ese llamado con mayor afirmación y alegría. La mayoría fueron producidos no mucho antes o después del golpe de Estado chileno de 1973, evento que marca una especie de línea pre y poslapsaria en la biografía del artista. Sus pinturas combinan elementos del surrealismo, el simbolismo, el art brut, el retrato y la pintura de historia para producir parábolas sinceras sobre el despertar personal y político.

Autobiografía

“Autobiografía (Autobiography)” (1971), por ejemplo, la retrata en 10 edades diferentes, desde la infancia hasta el momento en que compuso la pintura a los 20 años, involucrada en actividades que incluyen bailar y enamorarse. Los autorretratos flotan sobre un fondo azafrán y, con sus partes del cuerpo ligeramente desproporcionadas y su disposición no secuencial en el lienzo, están libres de la lógica visual normativa sin caer en la extravagancia.

Cerca del centro de ese panteón, Vicuña incluye una imagen de ella y su entonces pareja, un gesto tranquilo y seguro de sí mismo que resume la forma en que sus pinturas retratan la historia como fundamentalmente participativa. “Janis Joe (Janis Joplin and Joe Cocker)” (1971) y “Biombo casita para pensar qué situación real me conviene (Little House to Think What Real Situation Suits Me)” (1971), esta última pintada sobre un biombo colonial con lienzos de doble cara, ambos repletos de escenas reales e imaginarias de liberación contracultural.

Del mismo modo, “Karl Marx” (1972), parte de su serie antipatriarcal “Heroes of the Revolution” (1972-en curso), retrata graciosamente al filósofo alemán, vestido con un traje negro y con un semblante sombrío, elevándose sobre un animado , jardín de tonos pastel en el que varias mujeres desnudas se retuercen.

Esta fe romántica en el potencial revolucionario de la creatividad, que recorre la línea entre ingenuo e inspirado, también abarca su trabajo en poesía y performance. Spin Spin Triangulene asiente hacia estas facetas de la práctica de Vicuña a través de la inclusión de 11 “Palabarmas”, una combinación de palabras en español para “armas de palabras”, así como dos películas y una vitrina con efímeros literarios y documentales.

Exilio

Realizadas en el exilio durante la época de la junta chilena del general Augusto Pinochet, y fabricadas como pancartas de nailon o serigrafías de papel, las coloridas “Palabarmas” fusionan eslóganes e imágenes simples en símbolos de protesta similares a acertijos, como el de un brazo humano extendido cuyo antebrazo tiene la forma de un ojo, con la palabra española verdad escrita en él.

Visitantes que se quedan con la película cercana de 54 minutos Kon Kon(2010) verán escenas de Vicuña en performance. El documental de asociación libre narra el regreso de la artista a la ciudad costera chilena de Concón, donde lee y canta poesía y realiza rituales frente al mar con precarios y quipus efímeros. Es difícil exagerar la gravedad peculiar de las actuaciones de Vicuña, incluso cuando están mediadas por video.

Ella enuncia palabras en siseos conspiradores, canta improvisaciones, mezclas parasémicas de quechua y otros idiomas y, cuando hay una audiencia, a menudo conecta a sus miembros con hilos umbilicales. Tales métodos aluden a las tradiciones orales indígenas sin pretender poseerlas, de una manera que concuerda con el estilo pionero de la etnopoética cultivada por los poetas Jerome Rothenberg y George Quasha a partir de fines de la década de 1960.

Pero las películas largas en grandes exhibiciones son tentadoras para todos, excepto para los visitantes más comprometidos, y las pancartas y serigrafías que salpican el nivel final de Spin Spin crean la impresión de que Vicuña es una artista visual que incursiona en la literatura y la actuación.

Esta visión parcial de una creadora polimática es desafortunada no solo porque su escritura y sus actuaciones poéticas son vigorizantes, partes esenciales de su práctica, sino también porque sus actuaciones están bien documentadas, particularmente en las últimas décadas. Si bien los libros y las representaciones pueden ser difíciles de representar en una exhibición en una galería, y si bien Vicuña brindará una nueva presentación en vivo como parte de esta exhibición, se podría haber hecho más para resaltar los muchos videos cortos de sus presentaciones anteriores.

Sin embargo, una vicuña parcial es mejor que ninguna vicuña, y Spin Spin no pretende ser completo. De hecho, fue sorprendente descubrir que aquí no se incluyeron precarios propiamente dichos, quizás para no duplicar los contenidos de otras exposiciones recientes.

Aún así, tales omisiones plantean la pregunta de qué se pierde de la vista del público y por qué, cuando un artista desvalido, nutrido por pequeñas editoriales y organizaciones artísticas rudimentarias, recibe importantes reconocimientos. “Máxima fragilidad/ contra el máximo poder”, escribe Vicuña en el dibujo mural que acompaña a “Exterminio Quipu”. Las líneas podrían servir como su credo artístico, pero el dibujo, un mapa mental cósmico, se ha escondido en un rincón de la galería para que la impresionante escultura sea lo principal que vean los visitantes.

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